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文心藝所Pierre Huyghe個展登場！一睹「活的錄像」〈Camata〉亞洲首映

隱身臺北內湖的文心藝所，向來是藝術迷心中的寶藏之地。今年11月9日至2025年3月23日展出的法國藝術家皮耶‧雨格（Pierre Huyghe）全新個展，不只呈現藝術家擅以建構生態系統的手法，亦透過充滿隱喻的元素，讓作品詩意地遊走於現實與虛幻之間，而其中最大亮點則是首次在亞洲播映、會不斷自我剪輯的新作〈Camata〉。想一探何謂「活的錄像」，它又將如何因時、因地、因人而產生演化？一同走進展場感受與生活共存的當代藝術吧！

文心藝所展覽法國藝術家Pierre Huyghe 個展，展出亞洲首映大師新作《Camata》。圖／文心藝所提供

不能錯過的當代概念藝術大神Pierre Huyghe

法國藝術家Pierre Huyghe從2018年Pierre Huyghe在英國蛇形藝廊展出的「 UUmwelt」（果蠅），到位於日本太宰府天滿宮戶外以一個在女性雕塑頭上不斷增生蜂巢所創造的生態系統的作品〈Exomind〉（2020臺北雙年展「你我不住在同一星球上」亦展出此作），到今年9月在日本岡山藝術祭所展出的「If the Snake」（もし蛇が），皆以各種生態系統形成創作延伸發想的靈感來源。

1962年出生於巴黎的Pierre Huyghe，其作品橫跨越多種媒介，包括電影、限地製作、雕塑和環境。他曾在威尼斯海關現代美術館、倫敦蛇形藝廊、巴黎龐畢度藝術中心等國際藝術機構舉辦個展，並獲得2002年和2017年的Hugo Boss獎和納什爾雕塑獎等多項榮譽。今年3月至11月在威尼斯海關現代美術館展出的個展《闕限（Liminal）》同樣大獲好評。

對Pierre Huyghe來說，「當一個項目開始時，我經常需要去創造一個世界。接着，我會進入這個世界，而我在其中的探索就是作品本身。」因此，其作品向來被視爲推想式的虛構故事，同時也經常呈現包括生物技術和有形的惰性物質，這類可學習、改變、進化的創作元素。

此外他也表示，「通常我們會把展覽視爲一個結束，是某種事物的結果。然而，展覽其實並不是一個過程的終點，而是一個不斷變化的儀式——它是通往其他地方的起點。」只因他認爲藝術不是簡單的展示，而是一種不斷演變的過程體驗，也是促進觀衆思考和參與的過程。

法國藝術家Pierre Huyghe。 Photo Credit：© PAULA VIRTA / EMMA

►蛇形藝廊｜Pierre Huyghe: UUmwelt

►太宰府天滿宮｜Pierre Huyghe〈Exomind〉

►威尼斯海關現代美術館（Punta della Dogana）｜Pierre Huyghe《闕限（Liminal）》

「Pierre Huyghe〈Camata〉開創當代藝術新里程碑」

此展策劃的源起，最初來自今年3月，文心藝所創辦人葉曉甄（Jenny Yeh）造訪「威尼斯海關現代美術館」觀賞Pierre Huyghe個展《Liminal》時，便對這件尺幅極大（4米x15米x6米高）的錄像作品〈Camata〉一見傾心，而最終她也成爲全球首個收藏此作之藏家。

葉曉甄表示，「這件作品從當代藝術的視角來看極具里程碑意義；它不僅顛覆了許多觀點，也是一個需要花時間去了解的作品，同時亦爲現今在當代藝術中非常重要的作品。因此，我希望在威尼斯展畢後，便能直接來臺灣展覽，讓臺灣的藝術迷也可以同步欣賞到現在國際正在展出的東西。」

但爲什麼這件作品如此重要？葉曉甄強調，「此作對於未來的當代藝術是一個嶄新的表現方式，『它是一個活的video』，不會重複、可以跟環境產生互動，也會因當前的氣候、溫度，觀展人們說話的方式，而有改變。」葉曉甄也透露，事實上，Pierre Huyghe多年前便發現了這個位在沙漠中的骷髏頭，當時他覺得極美，卻還不知道要以此創作些什麼。

後來他以8支攝影機進行不同方式的拍攝，並預錄了許多片段。因此觀看時，這些一直在重複的東西，會因各種因素的參數變化，進而影響背後電腦的指令，而使得此錄像成爲是一個活的video，並一直在演化。（因此你每次觀看都會有所不同）

葉曉甄也提到，當代藝術可以是是一個很深的學問，但也可以很容易地觀看，但不需要真的去解釋什麼；因爲看着、看着有一天就會突然懂了，但即使不懂也沒關係，因爲純粹的觀看也是一種沉浸的美好。「特別是，如果你在裡面坐得夠久，你去欣賞它，你會抽離你自己，進入到藝術家想表達的意境裡，同時，我們也跟着這個當代藝術一起活在這個空間中。我覺得那也是種美的欣賞。」

展場一隅。圖／文心藝所提供

亮點作品一次看

作品1：〈Camata〉2024（文心藝術基金會收藏）

藝術家拍攝了智利阿塔卡馬沙漠中的一具骷髏，此地極其乾燥，過去科學家常在此研究外星球生態，過去曾是一座銅礦廠，如今已年久失修。藝術家在此拍攝的畫面主要是以機械手臂抓取水晶球，再將其放到另一個地方的形式進行。

影片全長2個多小時，但因藝術家將剪輯的工作交給機器學習（machine learning），因此數據機器會學習而改變剪輯的方式，因此展覽期間，每一天的氣候、溫度、觀展人的對話等等，皆會成爲改變機器學習系統即時編輯和剪輯錄像的變因。不只爲觀衆創造每次都截然不同的體驗，也構築出一個流動的生命體系。

因此，這部錄像將會不斷自行剪輯，既沒有開始也沒有結束，並隨着神秘的儀式在我們面前展開，讓觀者見證在不同現實之間的交互運作。

作品〈Camata, 2024〉。圖／文心藝所提供

作品〈Camata, 2024〉。圖／Chris Chen提供

作品2：〈Circadian Dilemma〉2017（文心藝術基金會收藏）

〈Circadian Dilemma〉同樣將生命體系顯現於作品之中！在藝術家的水族箱系列作品中，此作展示了一個獨特的景觀，即是由藝術家所創作出來彷若墨西哥水下洞穴的複製品。

只因數百萬年前，墨西哥麗脂鯉(此文後簡稱盲眼魚)被衝入地穴，隨時間推移，逐漸失去了視力。儘管它們的視覺基因被停用，但仍保留了眼睛。但它們的內部時鐘也發生了變化，導致晝夜節律變得更長。因此，在這個水族箱中，除了同種的一條魚還能看見之外，其他的魚都是盲的。

自2019年文心藝所成立以來，這個昏暗的水族缸裡，便養殖了五條盲眼墨西哥麗脂鯉（Mexican tetra），並與此空間和諧共存。歷經五年時間，赤裸的石雕上已經覆滿了紅藻，水族箱不再需要額外餵食。隨着臺灣晝夜的變化，這件作品儼然形成了一個自給自足的生態系統，保持着自身的平衡。藝術家也提出，盲眼魚儘管已經失去視力，是否仍會因不同的晝夜節律而進化，從而探討生物與環境之間的動態關係，這也使我們質疑自身的生存方式。

因此水族箱是以液晶玻璃製成，可以是透明的或不透明的。同時基於與當地氣候條件（如溫度、降水量、雲層覆蓋、能見度等）相關的外部數據，設置了一個程序來決定玻璃面板，可切換爲不透明或透明。從進化的角度來看，魚的視力或許也可能會隨着時間的推移而喪失或恢復。

作品〈Circadian Dilemma (El Día del Ojo), 2017〉。圖／文心藝所提供

作品3：〈Idiom〉2024

懸掛在牆上的金黃色的面具爲藝術家新作《Idiom》，特別運至臺北展出。此作可透過感測器偵測人類無法察覺的語言特徵，並將這些信息轉化爲特定的音素和句法，以幻化成屬於它自己的語言。比如大家在此聊天，它就會開始吸收大家講話的聲音，我們沒有觀察到的一些表情，然後再轉化成它自己的語言。因此，偶爾它也會自己開口說話。

其實，這件作品最初在威尼斯展出時，是由十幾個工讀生戴着面具在極其黑暗的空間裡走來走出，同時，這十幾個面具會互相溝通，自成爲一個生物體，最終它們也會創造出自己的語言。

作品〈Idiom〉2024。圖／Chris Chen提供

作品4：〈Crystal Cave〉2009

在這個過去尚未公開的墨西哥水晶洞穴裡，藝術家認爲這些畫面都是人類的想像，然而當人類真正踏入其中，畫面隨之公開後，這個地方就變成了現實，而非超現實。

只因進入到這個水晶洞時，它是位在地底300公尺以下，所以裡面非常潮溼、悶熱，當時藝術家進去時，還帶了一個薩滿的巫師、數學家等，並先做了一個薩滿的儀式，才進去。當短暫（10分鐘內）脫掉冰衣讓身體曝露於此，甚至躺在水晶上休息，並感受這是CG還是現實的提問。

作品〈Crystal Cave (Sleeping), 2009〉。圖／文心藝所提供

作品5：〈À Rebours〉2009（文心藝術基金會收藏）

這件作品是藝術家在二手市場買了一箇舊的毛皮大衣，然後把它變成像是有點生物形態的樣子，他採自法國作家的書名，此書講述人的重生概念。此毛皮也代表他先從一個死掉的動物身上製成毛皮大衣，之後這個毛皮大衣又被丟到二手市場，再被人買了下來，然後現在又被做成一個類似生物的形態。所以是一個重生又重生的概念。

作品〈À Rebours〉2009。圖／Chris Chen提供

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